文化精神是艺术创作的内在支撑，而境界则是中国画家陶养的积淀及认识的高度。张万峰的山水画创作没有在浮躁的奔忙中去追求什么流行，而是沿着中华民族传统文化的正途大道义无反顾地去追求与感悟文化的精神境界，甘于寂寞，一步步走向了艺术的高点。

　　感悟：一种文化修炼

　　作为北派山水画家，张万峰在认真学习、研究传统的基础上，着力把握当代山水精神的审美需求并与传统山水笔墨语言相结合，形成了稳定的笔墨格调与精神架构，在关照人文精神、生活环境与空间感受的同时，形成了系统而又稳定的绘画表现语言和风格。

　　中国绘画，特别是中国画，是对中国传统世俗文化的超脱。中国绘画历来关注精神与境界层面的问题，而世俗文化往往使人在相互关联的体制内变得世俗。在世俗文化中生存与成长起来的艺术家，常常会在享受世俗的狂欢中失去了文化的方向。张万峰对此有着清醒的认识。

　　中国画的境界可以说是对中国传统世俗文化的一种超越，也可以说是一种回避、一种文化意义上的逃跑，这与中国传统文化至高境界中的思辨与哲学一脉相通。有论者认为，中国世俗文化中存在不少恶的东西，特别是专制——这个起源于猜忌和背叛心理的“疑人用，用人疑”的“不信任”机制，自汉代独尊儒术开始，又与强烈要求忠诚、服从和胸怀大志的儒家思想伦理观念相互交织，挤压和扭曲人心和人格，逐渐造就了一种由虚伪、欺诈、猜忌和背叛交织在一起的黑暗的官场文化。隋唐以后，这种黑暗的官场文化又透过官本位的科举制度，以多米诺骨牌效应向整个文化领域渗透，全面毒害中国文化，使官本位的中国人彼此之间形成了一种深刻而广泛的相互不信任，积淀为一种深厚的自私自利的不信任文化，最终把中华民族变成了一盘软弱无力的散沙。这就是：背叛的逻辑产生背叛的制度，背叛的制度导致背叛的结局。中国世俗文化恶的一面给予我们的教训是深刻的。缺乏人本与人性的内核，这也恰是中国画真、善、美追求的巨大生存空间，这正是当代中国画画家所面对的文化战略与机遇。在中国传统文化的大背景下，中国人不像其他民族那样重视宗教，中国传统文化精神的基础不是宗教而是伦理，但在传统文化精神中，还有一种建立在伦理道德之上超伦理道德的价值，西方人愿意称之为宗教价值。其实，与其他民族一样，在人们的心灵深处存有一种超越现实世界的渴望，在中国传统文化意识里，这种渴望被转化为一种对哲学的热爱，他们在哲学里而不是在宗教里找到了超越现实世界的那种自在与存在。同样，也是在哲学世界里，体验到了超越伦理道德的价值。中国传统文化中的这种哲学精神，深刻地影响着中国画的传承与发展，使中国绘画这门视觉艺术闪耀着哲学思辨的光芒，这也是中国画几千年以来魅力不减的根本原因。

　　在研究与探索的过程中，张万峰深深地体悟到：中国画能够屹立于世界民族之林的法宝不是其形式和千变万化的技法，而是绘画所表达出的中华民族特有的文化精神。在中国国力强大之后，我们能够解决中国文化与艺术的推广及在全世界的认知问题，这是中国画在21世纪行走的重要保障；而文化精神则是中国文化及绘画的内在灵魂。21世纪是更加开放、更加自由的时代，经济、政治的全球化以及文化的不断整合使得传统艺术的审美观将在新的世纪里受到最大的冲击。对于新世纪的自由空间来说，只有审美文化才能够真正地贴近人类的本性，审美精神追求是每个人、每个民族的心理需要。因此，中国绘画有着自由发展的空间。中国绘画在21世纪承担了弘扬文化、发扬审美的责任。21世纪的大门已经向我们敞开，中国画的研究和探索进入迅速发展的快车道，走向了稳定、繁荣的正轨。

　　精神境界：一种认识高度

　　张万峰认为：意既是虚的，又是实的。虚之所指，是其无形无质，似是羚羊挂角，无迹可寻；实之所谓，即所赋之形色，皆以自然造设为本。意境，便是虚与实的水乳交融，虚中含实，实中有虚，相得益彰。其实，意境就是一种精神，这正如花草树木的繁荣与春天的关系——有形与无形之间、具象和抽象之间。花草树木为形，春天却是感觉。形在意中，意在形外。

　　有形而无意，便是枯燥，画便缺乏意趣。意趣在胸，心随笔运，取象不惑，是画家用笔的状态，达到对自然造化之钟灵、神秀的表达效果，形成主观与客观合一的心象。中国画讲究“读万卷书，行万里路”，是为了颐养精神，通明世理，追求神觉妙悟，以期达到与自然的神合，品味出生命在自然造化中的境界。觉悟空玄高明之处，化做笔力，才能创造出极具个性的作品。画家有两种能力需要培养：一是认识、感觉世界的能力，二是表达认识、感觉的能力。见识愈高，画品愈高。面对形色千变万化的世界，我们首先要有高明的认知，它来源于悟性，然后才能谈得上表现。所谓“技进乎道”，就是说贴近自然，志趣高尚，才是画家追求的境界。

　　在中国传统文化中，境界是一种超脱世俗的认识与处世状态，这与中国文化中所一贯倡导的知行统一的修为理论是一脉相承的。认识、认知与行为、行动的一致与统一就是中国传统文化中“修”与“养”的重要方面，所以，我们谈到境界，就不能不说修养，而境界的达到，仅靠修养还不够，还需要一种精神，需要一种追求。这一点对中国画画家来说尤为重要。佛曾有言：“此身不向今生度，更向何生度此身”，对具有历史使命感的中国画家来说，我们要随时随地保持一种慎重、诚敬、庄严的心理状态，仿佛入定的样子，专注内心的修养。有了这种超脱的精神追求，那么，在社会上不刻意追求成为达人，也必然是达人。这是中国画的内在精神要求决定的。中国画重意趣、轻功用，重主观意识、重灵性的自由发挥。自六朝以来，经唐、宋、元、明、清，中国画家一直延续着与自然为伍、散怀山水之情结，身心自由而释放、与世无争而明志，追寻着“天地与我并存，万物与我为一”之高境，因此，作为画家，只有在精神上获得自由解放，艺术上才能达到无我境界。诚然，艺术境界的达到也需要一种修养，这种修养包括谦虚的风度、积极的态度、良好的德行等等，但是，画作的水平高下更在于作者如何把自我精神生活的感悟落实在画面上。精神追求是艺术境界提升的内在动力。艺术本身就使我们看到了超脱于自然和社会之上的更加美好的东西，使我们的生活不局限于日常琐事，不至于平淡无味，使我们获得了心灵停靠的精神港湾。心有所属，则灵魂不会到处飘荡，人不会成为失落精神家园的乞丐，所以张万峰强调说，境界是修养，更是一种精神层面的追求。

　　 探索：文化视角上的一种守望

　　从文化的层面来看，守望是一种状态，更是一份热爱。在当今画坛，在数量众多的中国画家群里，心存文化意识的人又有多少？曾几何时，文化成为所谓创新的累赘、技巧的卖弄、形式的翻新、视觉的快感等，文化已经被边缘化、被久久地冷落，文化理想、文化状态已无所依附。在今天，在中国画创作群体中，我们还能找到像张万峰这样的守望者，这不能不说是一件幸事。

　　文化是艺术的根基，再绚丽的艺术之花也要开在文化的怀抱中。中华民族博大精深的文化存在，永远是中国画生存、发展和壮大的肥沃土壤，中国画要以艺术性与文化性的统一去进一步确立与弘扬中华民族文化的核心价值。民族文化是中国画学的根基，民族精神是中国画学的灵魂。只要中华民族不先于其他民族消亡、只要多元的文化生态未陷入灭顶之灾，中国画就会以不同于西方绘画的精神特征和语言特色存在、发展。中国画的精神无论如何变迁，都要以中国传统文化为旨归。因此，张万峰认为，博览古今，奠定深厚的文化基础，以严谨的从艺态度让自己的作品更“厚实”，让中国绘画艺术更有内涵，是历史赋予艺术家的责任。

　　张万峰认为，热爱是对文化守望的最佳状态。艺术是需要热情的，只有热爱才能产生无限的热情，才可以让中国画创作有源源不断的新的审美创造。热爱就是这种热情投入或者说是情感投入的源泉。以中国传统文化为向度的中国画创作就是一个不断陶冶情操、洗涤心灵、接纳情感的过程。在这个过程中，我们能够触及艺术的本质，探究作品的内涵与意蕴，体味到那种言有尽而意无穷的审美感受。

　　中国传统文化中的哲学精神深刻地影响着张万峰对中国画创作的传承与出新，也使其创作闪耀着哲学思辨的光芒。这种带有哲学精神的艺术创作是中国绘画生存、发展、壮大的肥沃土壤。

　　价值创造：一个过程

　　简要地说中国画价值，包括艺术价值、市场价值、文化价值和历史价值四个方面。艺术价值是中国画价值的总轴线。一方面，中国画独特的审美可以使人获得审美愉悦并陶冶人类的心灵和情操，满足人类精神需要，有其自身特有的艺术价值。另一方面，中国画作品在审美的同时可以产生一定的经济效益，使艺术家创造性的劳动也能够形成进行有偿的按质论价、等价交换的收益方式。这样，艺术品就不仅仅有一定的艺术价值，还有重要的市场价值。中国是一个具有悠久历史文化传统的国家，特别是中国绘画方面的独特创造，可以说辉煌灿烂。从彩陶、青铜器、画像石，到历代的石窟艺术、宗教壁画以及建筑、园林艺术，瓷器、家具等实用艺术，无不凝聚了千百年来中华民族文化思想的精髓，造就了中国绘画独特的艺术特色和审美体系，形成了鲜明的文化精神和艺术观念，具有深厚的文化内涵，在世界艺术之林中有着特殊的审美地位和文化价值，受到各国人民的高度评价，其独特魅力至今吸引着千千万万的人。在长期的历史进程中，历史悠久的中国画由于特定的历史环境、文化底蕴和民族心理等因素，经历了历史的不断考验。中国画作为我国一种独有的绘画形式，在中外艺术史上也具有重要的历史价值。历史价值是文化价值、艺术价值及市场价值的特定承载体。另外，中国画艺术价值产生的关键就是作品是否具有丰富的学术含量、正确的学术定位和较大的学术潜力。因此，像张万峰这样优秀的中国画家的作品不仅具有较高的学术价值，值得收藏，而且更可以用做学术研究。

　　张万峰认为，从整体上来讲，中国画的价值最终取决于中国画的核心价值。用一句话概括，中国画的核心价值即是在中国文化的背景下，中国画特有的、符合民族审美经验的美。也就是说，中国画独特的审美本质是中国画的核心价值。张万峰说：“画家的天职，在于用丰富的艺术表现手段，把自己高尚的审美理想倾注于作品之中。在精神产品中，艺术品处于距物欲最远的、以审美为核心特征的超功利层面。”随着人类物质生产能力的增强和精神需求的丰富，艺术产品会日益摆脱功利因素而不断强化其纯粹的审美功能。中国画的发展史是一部从实用功能向审美功能渐渐演变的历史。之所以说中国画的价值最终取决于中国画的核心价值，首先是因为中国画的核心价值决定其艺术价值。张万峰认为，追求作品审美的过程，也就是追求其艺术价值的过程。也就是说，中国画的艺术价值更多的是体现在作品的审美价值上。画家只有时时刻刻以追求美、发现美、挖掘美、表现美为创作宗旨，作品的艺术水平才能有所提高，作品才具有深厚的艺术价值。这种美，不仅指作品从外观上给人以视觉美，更指作品本身所表达的思想、境界、精神的美，这种美才是崇高的美，才具有独立的艺术价值。其次，中国画的核心价值也是文化价值的最终体现。绘画是文化的载体，文化升华了绘画的表现。审美属性使传统中国画的创作和鉴藏都是基于超乎功利的精神领域，同时，这种超乎功利的创作和鉴藏方式也在不断地醇化着中国画独特的文化价值。中国画所蕴涵的儒、道、佛三教文化，从哲学、理学、美学的角度直接影响了中国画的发展。以儒修人格、以佛修心性、以道修境界，中国画的特殊形式法则也正建立于这一理论基础之上。我们说，中国画的核心价值最终决定着中国画的价值。张万峰的艺术探索很好地证实了这一基本判断。

创造：一种全球视野的探索

　　中国画的价值讲求学术含量与学术价值。但是，这并不代表中国画就要纯粹地学术化而脱离广大的认知层面。艺术创作毕竟是精神上的生产，亦属于精神上的消费。中国绘画以给人带来美感与精神愉悦为目的，不是生硬、呆板的说教。况且，空谈学术概念恐怕也只是某些人的一厢情愿。中国画的发展自五四以来，经历了多次“革命”。近代中国画的发展与中国社会和文化的总体进程是同步的。至此，我想说，首先，中国画从未独立于社会和文化的总体思潮之外。纯粹的学术问题在人类史上不存在。人是有社会属性的，关于中国画的好恶、褒贬都是一种文化的选择，也是一种社会意识形态的选择，更是一种生活态度、生命意识的选择。其次，中国画的发展不以个人意志为转移。任何艺坛大腕、文化精英欲以一己论调来左右中国画的方向都是一种妄想。艺术应该允许有我见，艺术的存在是生态化的，而现在很多的所谓“论争”，以及一些位高言重者的论调，或以种种学术的名义发表的关于对中国画的褒贬，都会把中国画推向极端化的深渊。

　　因此，面对中国画核心价值的再认识，张万峰认为，不是要去强化一种纯而又纯的学术化倾向，而更多的是要围绕审美本质这一条主线，不排斥市场化因素。因为审美本身是一项复杂的系统过程。审美是人类掌握世界的一种特殊形式，指人与世界（社会和自然）形成一种无功利的、形象的和情感的关系状态。美是能够使人们感到愉悦的一切事物，包括客观存在和主观存在。审美是人们对一切事物的美丑状态做出评判的过程。由此可见，审美是一种主观的心理活动过程，是人们根据自身对某事物的要求所做出的一种对事物的看法，因此具有很大的偶然性。但它同时也受制于客观因素，尤其是人们所处的时代背景，会对人们的评判标准起到很大的影响。审美除了能够愉悦自己与他人之外，在很大程度上也是为了发展与完善自己。审美过程从它的起始到结束是一个有机、完整的心理活动过程，这个过程可以分为三个阶段：准备阶段、观照阶段和效应阶段。中国画的创作及鉴赏就是一个复杂的审美活动。中国画要想具有完整的审美价值，就要使作品有个性和创造力、有传统文化的精神、有细腻传神的功底、有丰富的情感投入和生命的力度。这一切都就需要具备完整的审美过程。中国画审美的准备阶段就是作品的创作过程或创作作品的问世，学术研究的渗透就是从学术方面对审美进行感知与理解，而市场因素的介入属于审美的效应阶段，通过市场的反映来检验作品质量的优劣和品位的高低。因此，学术与市场都是围绕审美这一主线，它们如审美过程的两个方面。

　　在张万峰看来，在文化发展的战略高度这个层面上，中国画的发展是中华民族伟大复兴的重要组成部分，是一项伟大的事业。在这项伟大的事业中，不要人为地设定什么，只有创造好的环境，充分调动各方面的积极性与创造性，才能更好地推进中国画发展事业的不断进步。当然，无论是学术因素还是市场因素，只要能不断推动中国画沿着正确的道路向前，都是求之不得的积极因素，都在为中国画价值的构建做着贡献。对于中国画价值的构建来说，寻求艺术价值与市场价值的共赢始终是思考与实践的目标。现在，国内中国画市场频频爆出出奇的高价，促使一些画家向急功近利、耐不住寂寞的方向滑行，不是把精力用于做学问、用于追求较高的艺术境界，而是急着奔向市场。一些画家为了攀比价格、迅速获利，或者大举买版面、出画册自我炫耀；或者出资开研讨会、邀请名人吹捧、恶意包装炒作、漫天要价，期待名气大噪之后，赚得个盆满钵满；也有一些画家为眼前利益大量复制自己的作品，生产小品画、行画和套路画；更有唯利是图者，为了牟取暴利而制作赝品，不仅丧失了画品，连人品也弃之不顾。等到眼下书画市场走向规范后，这些画家的作品就必然掉价、流标、贬值。?其实，市场的火热不一定就意味着艺术水准的提高，市场上的高价也不一定代表着艺术上的成功。因为，艺术市场说到底是一种经济行为，这个行为的基本动机是利益。市场不管你是红是白，它关注的就是销路。艺术市场的形成不是因为艺术取得了多么大的进展，而是市场和资本运作的需要。从当下情况来说，有以下几种态势：一是全球性的当代艺术品投资处于热潮中；二是由于国内股票、房地产投资回报率呈下降趋势，而使得大量资本进入艺术品市场；三是势头良好的中国画市场趋于饱和，或者混乱使得更多的投资者望而生畏；四是当代艺术还属于投资空白点，还有很大的投资市场空间。从这个意义上说，中国画市场的状况不一定就代表了中国画应有的价值取向。市场因素的介入可以作为一种力量成为培育中国画价值构成的重要因素之一，同时，学术价值的介入也是中国画价值构成的重要组成部分。问题的关键是要看画家本人怎么做、怎么对待这个问题，也就是画家自身的道德、境界问题。所以，对于自己的绘画创作，张万峰一直认为，只要具备了深厚的笔墨功夫、高超的技法和苦心钻研的画外功力，作品才可能经得住时间的考验和历史的推敲，才能最终被市场所接受和认可。

　　在学术与市场的双重推动下，中国画的发展一步步走向世界文化艺术的高峰，中国画的价值也会在这个过程中达到它应有的水平。这是时代发展的必然，也是中国画价值凸显的必由之路。中国画收藏市场在经历了经典名家时期之后，在不断的调整中又迎来了后经典时期。人们在经典名家的价格冲高后，普遍在关注张万峰们会不会逐渐成为下一轮的经典名家。

　　 心境：一种艺术个性化的表达

　　中国画从元以后达到文人画的高峰，强调自我和独立人格。画家首先应该具备观察生活的独特视角，不被形所累；其次要对文化修养和笔墨有独到的理解。文化修养至关重要，因为看一个人的作品是要看它是否有学问上的讲究。画家的艺术历程都有一个规律，开始是学习、掌握技法，后来是做学问，越到后来越觉得学问重要，到了你忽略或忘却了技法问题的时候，你才有可能成为一个真正意义上的画家。古代画论上讲的“无法之法”大概就是这个意思。可惜的是，大多数画家一辈子还停留在讲求技法的阶段，他们就吃亏在学问方面跟不上，所以只能做小画家、平常的画家、一般意义上的画家，而做不了大画家，做不了对中国画发展史有贡献的画家。这一条道理，古今中外，概莫能外。对于笔墨的理解更是一个画家最该具备的基本素质。中国画讲品性、讲格调、讲笔墨、讲韵味、讲气象，更讲文化精神，而这一切都蕴涵在超越物态的笔墨之中。没有笔墨，就没有中国画。笔墨的高下是中国绘画优劣的一个评判标准，寄寓着画家的精神世界，也是画家抒发情意的载体。所以，笔墨不是空泛的，而是与画家气脉相联的。一个真正意义上的画家，只有做到这一点，才能创造出独立的绘画语言。

　　有论者认为，张万峰作为北派山水画家，又勤于向传统的中国绘画语言学习，在创作中很好地将文化精神贯穿于自己的笔墨表现及空间结构，于笔、于墨都讲究一个精到，讲求一个来历，正一步步地根据自己的感悟，在传统文化的向度上走向一个高度。中国画应该是一个大的范畴，按地域之分，形成了所谓的南派和北派。作为一个画家，应该在中国画创作的道路上以高标准要求自己，既强调绘画作品的文化内涵，又讲究笔精墨妙，在思想层面和技术层面达到完美的融合。在张万峰的绘画过程中，他一直是用这样的标准要求自己。传统文化对张万峰的影响极其深远。首先是宋、元山水，然后是五代以后的董源、巨然，宋代的范宽、郭熙，都是了不起的画家，他们的艺术都代表了中国画的最高水平。后来，由宋入元，绘画中更多了一些文人的情趣，如元四家的王蒙、吴镇、黄公望、倪瓒。现在的艺术和艺术家，无论是投入的程度，还是艺术造诣所达到的高度，都无法与之相比。由明、清入宋、元，再上溯到汉、唐，汉唐雄风反映的是汉民族正处于上升期，国富民强。它的绘画、石刻、陶塑、陶俑、壁画体现出一种强劲的走势，表现出沉雄、博大的气息。入唐以后，国家更加强盛。泱泱大国的气度不光体现在绘画上，其文学、音乐、舞蹈、宗教艺术等方面也都十分强盛，显示了国家的财力，显示了一个大国的富足程度。反映在艺术里，它也是包容量大、气象恢宏。这一切不一定直接表现在作品的技巧里，也可以表现在一种对精神的体验中，这种精神体验有时是语言无法表述的，但可以在作品中感受到。个人的艺术取向和作风倘若跟时代大的强势走向相一致，就能代表这个时代。

　　很多人可能因为太多的摹古与袭古而丧失了审美所带来的快感，而张万峰在看似相同、看似相似的背后，却有着巨大的不同。张万峰认为，继承传统并不是盲目的，要在学习古人经典绘画的同时，把握笔墨的内在意韵。石涛说“笔墨当随时代”，我们学习传统是研究古人用笔墨传达内心精神世界的方式，为了更好地表达对现代生活的认知。没有继承就没有发展，没有自我就谈不上继承。

　　陈授祥先生曾说：“一个人的生命状态就是他的生活，要画画就画一辈子，是他的生命。画家的生活就是把创作当成生活，而无须再去寻找另外的生活。” 张万峰的理解是，画画不是一种写实和描摹的状态，而是自我生命的表现状态，赋形于山水花草，不过是蕴涵生命张力的符号语言，犹如我们的形体是生命的依存一样。画家把画画作为自己的生命与实现生命价值的途径，倾注了其全部的精力和思想。创作是个性的，具有独特的意义。源本自然，师法造化，此其一；其二，继承传统，向古人学习。二者融会贯通，便是感觉和经验的奇妙结合，才能在继承的基础上发展中国画，而发展就是创新。

　　在创作过程中，张万峰能很好地把过去的写生及北派山水中积累的修养与见识结合起来，在笔墨格调、作品整体布局及审美的品格等多方面展示自己特有的才情，从而使自己的作品在山水精神力度的支撑下独树一帜。在传统上，中国画客观地存在“南”、“北”两大相异的审美系统，这既是由地理风貌决定的，又是人文精神所取向的结果，但是归根到底还是地理水土起决定作用。南秀北雄，既是文化物质的差异，也是地质风貌的客观差别。同时，张万峰是一个沉静的人，在山水画的王国里找到了无穷的乐趣，并沉浸其中。现实社会充满了欲望和诱惑，如果没有独立的人生观和价值观而随波逐流，就会迷失自我，作品就很容易陷入哗众取宠。艺术创作就是表达绘画者自身的心性，必须站在一定的人文高度上，才能把握自我。

　　在继承传统、感悟自然与现代审美之间，张万峰用诗境化的意象为红线将它们结合在一起，并形成自然神妙和虚静恬淡的作品面貌。其实，画家不一定都要会做诗，但一定要有诗的情怀。山水画的意境需要用诗的情怀去营造，而非对自然的复制。张万峰一直在尝试着从现实自然生态中去寻找物体的内美，然后净化成诗的形象，这种形象组合其实是借用自然界的一草一石去代表艺术家的情感符号。这种符号就像五线谱一样，每根线都蕴藏着美妙的旋律。艺术家就是要从中选出最适合你抒发情感的符号去组合、构成，让人们在旋律中感觉到画面，从画面中感到音乐的美。张万峰觉得，古代文化和现代文化没有明显的分界线。生活状态的改变，使现代人的生活视角越来越广阔，感悟自然的方式和内容也有所变迁，同时为画家提供了新的创作载体。净化环境是环保部门的任务，净化人的心灵应该是艺术家的责任。

　　古人有“笔墨之道乃为人品之道，立品才有笔墨方位”之说。张万峰认为，画者要提高文化修养，要以学问为根基，来提高自己对世界的认识能力、感知能力和表现能力。绘画语言的表现形式固然重要，但更重要的是人的品位。人品有多高，画品就有多高，故人的修养至关重要。我们超不过古人，主要还不是因为形式语言的缺欠，而是在于在做人的修养不够。修养一方面是指人品的修养，另一方面是指学识的修养。人品即生命的品位，一种真性情。自然造物，所赋唯真。它在检验人的“真”时，是一个人力不可改变的尺度，只能在大浪淘沙的际遇中显现出来。学识以学为本，产生见识，乃是对民族文化遗产的透彻解读和忠诚实践，变功利心为诉人间情，建树生命的高度。文化底蕴是画家的翅膀。荀子在《劝学》里说：“吾尝跂而望矣，不如登高之博见也。”登高之博见，不如振翅而观。观古来大家，无一不是学养优渥者，正是这个原因。人品不高，画品就不会高，它们是连在一起的。

　　现在，一些注重传统的画家都在论说画中国画的“养”“养”在中国画创作中似乎起着非常重要的作用。作为一个画家来讲，张万峰对所有的事物都要追求完美，实际上就是涵养追求完美的心性，然后达到对笔墨精到的把握。关于“养”，这是典型的中国式文化研究模式。“养”字形容得巧妙，道破了中国画家与中国画的关系。画家若不能把自身素质养好，画出的作品则可想而知。中国画是最讲“人”的艺术，在文人画的顶峰时期，甚至不重视画面本身的平面效果和物象的具体特征，凸显给观众的是所有关于“人”的各种复杂信息。没有平日长期的蒙养与修炼，是达不到中国文化中关于展示画家素质的至高境界的。

　　西方艺术家不是把自然当成客观描摹的对象，就是将它作为宣泄情感的渠道。前者用的是科学理性的眼光，后者则相当于中国人讲的“以我观物”。西方风景画与中国山水画相比，毕竟少了些博大与从容、高迈与超脱。西方文化是人征服自然的文化，而中国文化永远吟唱着生命与自然的颂歌。如果一种文化仅仅是对自然的改造，而忘掉了人与自然和谐统一的关系，它能给人类带来幸福吗？对自然的改造超过了它忍耐的极限，人类定会遭到自然的报复。更为严重的，我们在征服自然、得到物质满足的同时，却失掉了精神家园，灵魂成了无家可归的流浪汉。在全球经济一体化的今天，中国人在承担人类共有问题与困境的同时，也加入了“寻找灵魂现代人”的行列。在崇尚物质消费、追求急功近利的商业社会的广告声中，中国文化的美丽精神还能焕发出往昔的生机与活力吗？我们还能找回曾经拥有的精神家园吗？这种茫然与苦闷的情绪正是张万峰在近期作品中想要表达的。

　　价格：市场状态的一种标示

　　在太多的摹古与袭古中，很多人可能已经丧失了审美所带来的快感；不少收藏家也被许许多多的把玩笔墨与“伪写意”所困扰，而形成了审美的疲劳。在这种情况下，张万峰的绘画及其状态也许不被人们所关注、所追捧，但事实上，却有着与别人迥然不同的探索。在绘画中，张万峰锤炼的是自己的笔墨语言，以及对山水精神的一种文化的感悟，他对山水画的内在精神及蕴涵的文化含量有自己独特的见解。在这个过程中，他又能很好地把过去的写生及北派山水中积累的修养与见识结合起来，在笔墨格调、作品整体布局及审美的品格等多方面展示了自己特有的才情，从而使自己的作品在山水精神力度的支撑下独具匠心。

　　作为中青年山水画家，20世纪90年代初，张万峰在全国已有一定影响。1996年，在中国美术馆成功地举办个人画展后，他重新审视自己，毅然放弃了自己对山水画的表现手法，南下杭州,到中国美术学院求学。在著名画家童中焘、卓鹤君等老师的指导下，他重新认识传统、学习传统，多年如一日，勤奋研修，对传统中国山水画感悟颇多，在表现形式上追求笔精墨妙、格调清新、意趣淡泊高雅之画风，形成了自己独有的气象，被广大收藏家所喜爱。2003年，他又先后进入中国艺术研究院博士课程班和中国画研究院龙瑞工作室高研班学习，遍交师友，眼界不断开阔，功力进一步提升。随着自身的修养和功力的不断积累，其艺术价值更加凸显，以后的升值空间会不断拓展。

　　张万峰的山水画几经变化，终于较为稳定地走向回归传统的路子。万峰的画基本功扎实，一笔一式都透出传统的功力和基本的修养。最近，他又积极探索造境、参悟等关乎传统文化灵性的一面，注意书法用笔及书法修养，这些无疑会推动其作品的艺术价值进一步升华。

　　虽然张万峰个人处世低调内敛，不事宣传包装，但艺术上的成就不会轻易地被埋没。收藏界已经开始关注万峰的山水作品，并有不断地由点到面扩展的趋势。中国画廊联盟也较早地关注并研究张万峰的绘画及其市场表现状况，对张万峰的艺术及市场发展状况有了较为全面和系统的调研、分析与研究。在调研、分析的基础上，给出了一组数据，反映了张万峰绘画市场的一个基本走向。现将相关数据公布于下，供大家参考。

　　作品市场价格：2001年：500元／平尺；
　　 2002年：800元／平尺；
　　 2003年：1000元／平尺；
　　 2004年：1200元／平尺；
　　 2005年：1500元／平尺；
　　 2006年：上半年2500元／平尺，下半年4000元／平尺。

　　我们可以预测，张万峰的山水画艺术的进一步探索，会给他的市场带来更多的机会和更大的空间。可喜的是，张万峰正在一步一个脚印地向这一目标迈进。特别是进入中国画研究院龙瑞工作室学习后，这种探索的倾向更加自觉、更加有成效，他的努力得到了龙瑞等诸先生的高度评价。这从一个侧面说明，张万峰的山水画艺术正处在跃进期。当然，近期其工作单位的变化，也增加了这种利好。在当下这个时期，系统收藏他的作品可谓恰逢其时！

　　八、 结语：一种判断

    上面的剖析可能使我们对张万峰的作品及其探索有了一些了解，借着这种了解的视角去观察当下的山水画坛，可能呈现眼前的更多的是一种喧闹和功利化的乌烟瘴气,有的人浮躁，装神弄鬼扮大家；有的人上窜下跳，又吵又闹当玩闹。这些人留给我们的是什么呢？没有真诚的创作，只有不断重复‘行活’。张万峰虽然没有显赫的名气，也没在什么重要的码头，但却有真诚的探索和艺术上的高度。可以这样说，张万峰的山水探索在当代北派传统型山水画创作中是很具学术意义和代表性的。在市场不断跨越礼品市场而走入投资市场的今天，水落石出的首要任务就是用作品说话。张万峰无疑是这一过程中一个极具代表性的标示。（热线交流电话：13613365557）