人文关怀与文化精神的感召，是李晓柱艺术追求中，永远不会放弃的两个支点。

　　在美术界，说李晓柱是最具实力的青年画家之一，我想是没有什么疑义的。因为他自己的硬件摆在那里：连续参加第七、八、九、十届全国美展，每次都有两幅以上的作品入选，并多次获奖。从20世纪80年代末开始，他几乎参加了所有由中国美协或权威机构主办或组织的重要展览。作为天津画院的专业画家，李晓柱的影响不能说不大。更为重要的是，李晓柱的绘画艺术正在进入一条康庄大道——新传统主义。他不但深悟传统、而且深入传统，然后赋予作品更多的新意与时代感。下面，我们就看看他的新传统。

 　　一、新传统——中国画当代形态的一个存在

　　李晓柱的艺术探索是中国画当代形态的一种典型存在，也是其艺术探索的鲜明特征。中国画当代形态并不是一个时间概念，也不是当前的、眼下的所有艺术都可称为当代形态。当代形态与现代形态、古典形态等有着逻辑上的联系，又有着性质上的区别。中国画的当代形态有几个基本的特征，最为主要的还是在中华民族所特有的审美经验基础上，强调现代感、当代性与出新。所谓中华民族特有的审美经验，指的就是在中华民族文化精神的维度上，审美共同经验的积累或总和，它是我们这个民族所共有的；对别的文化参照系来说，它又是独特的，这是其一；其二，审美的空间与信息量创造成为一个重要的艺术考量标准。在写意精神的指引下，中国画的当代性更注重创作者←→作品←→观者的互动关系，更注重现在对作品表现能力的感受与感悟，这其中的关键就是作品能提供给观者多大的审美创造空间和审美信息的规模。在信息社会不断向纵深发展的今天，这种空间与信息规模是信息社会审美需求多元化、个性化的必然要求；其三是原创性会使作品更鲜活、更感动人，陈陈相因的毒药只能使处于相关领域顶峰的人才会产生相应的抗药能力，而跟随者中毒直至身亡是其不二之途。中国画的当代形态是从根本上拒绝这种伪传统、伪艺术的。在这里，艺术常青之树依靠的是创造所产生的生命力，而不是其他；其四，审美的社会性是中国画当代形态更为抢眼的表现形式。当下中国画市场的发展趋势、中国画审美的时尚化倾向，以及中国绘画中的雅俗品格的定量等等，都属于社会性的范围。社会性从本质上看虽然并不能成为中国画当代形态的根本要求，但对中国画当代形态的影响是非常重要的。当代形态不仅仅只是从艺术自身来看待自己，而是强调艺术与社会的关系，把艺术放在整体的社会环境中进行考察，强调社会对艺术的影响和制约。
　　也许大家会认可这样一个事实，中国的人物画走到今天，它承载着更为复杂的时代意义，所以人物画家肩上的担子很重。人物画确实没有花鸟画和山水画的自由空间大，它所负担的东西太多，所以历史上中国人物画作品所达到的高度受到限制。一是因为中国人物画属于中国画的范畴，应该具备中国画的特征，它独有的属性不是它离开中国画法则的理由。二是人物画应该对时代和社会有着积极意义，不能以笔墨游戏而取代它所应该产生的作用。新时期中国人物画从文革时期的革命现实主义走到今天确实有一个大的飞跃，但也产生了一批空洞、乏味、没有灵魂的作品。假、大、空的问题依然存在，虚无、小情趣成为当今人物画发展的一个新障碍。有的作品对人物的内心和造型特征的表现浮于粗浅；重大题材千篇一律，画面呆板且缺乏鲜活的生命力；对人性深层挖掘的作品太少；有的画家认为人物画可以独立于中国画之外而不必过分讲究笔墨，画面语言和笔墨方式不是很讲究；制作性强的作品太多，而写意性强的作品少的可怜；过分讲究笔墨自由而离开形象的刻画等等都是不好的倾向。
　　李晓柱很好地解决了这些问题。他在传统文化的基础上，妥当地处理了笔墨与造型的关系，利用多种题材，充分体现了现代情感及状态与传统笔墨的深入融合。李晓柱一直注重培养和提升自己高尚的人格和品质，并对绘画的本质和人物的造型等进行了更为广泛和系统的研究，特别是对人性方面进行了更为深入地挖掘。

　　李晓柱对水墨的尝试实际上是从1988年开始的，但他一直没有进入真正意义上的探索，到1992年以后就没有再进行更多的实验。2001～2003年这几年，因为李晓柱远离了原来熟悉的生活，在城市里有些孤独，内心多了一些焦虑，便对人的生存状态和生命状态做了一些思考，创作了《自在的天空》、《守望·天堂》、《欢乐园》这样几个系列。创作这些作品更多是受到西方艺术观念的影响，对存在的现实和社会意识形态有了自己的理解，但作画的过程很痛苦，背离了他自己的心性。李晓柱当时对自己进行反思的时候发现，对未来的一种缥缈的、不可把握的感觉时时折磨着内心。他觉得这不是他想做的事情，这不符合东方人的思维方式和对世界的认识观。李晓柱在绘画发展的不同期，都会有自己不同的创作主题，同时随着主题的变化，也会产生不同的笔墨样式。1994年，他画《欢乐果园》时有燕赵大地的雄浑苍劲，形成了那时朴厚的墨彩语言。他虽然在走近传统，但同行们都认为在其作品中有不脱离当代的个性化的语言。现在他画《生态园》、《2005·留守营》等贴近生活的作品也是在探索一种生活和内心艺术追求的和谐，个性化的语言随着这种探索更加突出。

　　随着对传统文化和中国画逐步深入的研习，李晓柱逐渐被它巨大的魅力所征服，从一枝一叶、一山一石来体会它在东方哲学观照下的神秘精神和不可抗拒的吸引力。这个时候，李晓柱有了明确的思量：作为一个有东方血脉传承的中国人，没有理由不为它自豪。我们近20年来所接受的西方思想，只能在发展中国画时加以吸取，甚至是有些融合，而试图用它改变和代替传统文化是徒劳的。

　　李晓柱在努力去做。因为我们不可能离开传承了几千年的东方文明，而用西方的传统去代替它，更不可能创造一个离开现有文化基础而独立存在的新文明，我们能做的只有尽力推动几千年来所形成的东方文明不断向前，这是一种民族的延伸、血脉的延续。

　　新的绘画语言的形成是非常复杂的。李晓柱有一个观念：绘画语言是画家的先天素质和后天人格的培养而自然形成的。它会在你学习古人、研习绘画的长期实践中逐渐显现出来。在这个过程中，一个人自身的朴实、率真、高尚都会在其作品中呈现出不同的语言效果。人格的修养尤为重要，它需要文化的补充、道德的补充、中正浩然之气的补充，它们源自于高尚完善的人格的建立。所以李晓柱曾总结了两句话:“一是学法，二是修身。”在中国文化的陶养下，中国画创作应该对人性进行更深的挖掘。

　　这些年来，晓柱一直在画最让人心动和熟悉的题材。从李晓柱特有的文化心理及审美取向上来说，这样做是对的。在心里挥之不去的最熟悉的东西，是最生动的，也是最感人的。所以李晓柱偶尔到一个陌生的地方写生（如西藏、甘南等等），他不会有深刻的感受。生活气息源自内心真实的感动，深刻的内容是多次锤炼和感悟所得。它需要通过多年来练就的笔墨和造型手段把它表现出来。李晓柱强调，中国画有一套成熟的法则，这就需要向古人学习，向他们求法，在传统的基础上丰富当代中国画的时代特征，即我们之所以走进传统，就是为了形成中国画新的传统。

　　二、一种关注中国画审美创造力的新努力

　　从收藏的角度来看，审美创造力是一条重要的红线，在一定程度上决定着中国画收藏的取向。人们很难想象，在一个无法建立起主导性审美创造力的收藏时代，市场会出现怎样的悲哀与混乱。李晓柱绘画艺术的不断精进，正是源于他自身艺术探索中对中国画审美创造力的一种新挖掘。他在中国文化的背景下，探索中国画特有的、符合民族审美经验的美，可以说是一种基于文化上的自觉。

　　李晓柱建立在学术定位之上的市场拓展，使我们对中国画的价值形成过程有了新的认识：（1）审美本质是中国画的价值核心。画家的天职，在于用丰富的艺术表现手段，把自己高尚的审美理想，倾注于作品之中。在精神产品中，艺术品处于距物欲最远的、以审美为核心特征的超功利层面。随着人类物质生产能力的增强和精神需求的丰富，艺术产品会日益摆脱功利因素而不断强化其纯粹的审美功能。中国画的发展史是一部从实用功能向审美功能渐渐演变的历史。（2）中国画的核心价值决定其艺术价值。画家追求作品审美的过程，也就是追求其艺术价值的过程。即中国画的艺术价值仅仅体现在作品的审美价值上。画家只有时时刻刻以追求美、发现美、挖掘美、表现美为创作宗旨，作品的艺术水平才能有所提高，作品才具有艺术价值。这种美，不仅指作品从外观上给人以视觉美，更指作品本身所表达的思想、境界、精神的美，这种美才是崇高的美，才具有艺术价值。（3）艺术价值最终决定市场价值。随着艺术消费和中国画投资需求的不断增加，人们对中国画的价值判断逐渐地从精神、艺术向经济方面倾斜。绘画的艺术价值决定画作的升值前景。画作的艺术价值高，其市场价格才能高。如果市场价值完全偏离了艺术价值，那市场就会乱套。绘画市场在多数情况下，艺术价值还是第一位的。（4）核心价值是文化价值的最终体现。绘画是文化的载体，文化升华了绘画的表现。审美属性使传统中国画的创作和鉴藏，都是基于超乎功利的精神领域的同时，这种超乎功利的创作和鉴藏方式也在不断地纯化着中国画独特的文化价值。中国画的儒、道、佛三教文化，从哲学、理学、美学的角度，直接影响了中国画的发展，以儒修人格、以佛修心性、以道修境界。中国画的特殊形式法则也正是建立于这一理论基础之上的。（5）历史价值是文化价值、艺术价值及市场价值的特定承载体。中国画作为我国一种独有的绘画形式，在中外艺术史上具有重要研究价值。在长期的历史进程中，中国绘画形成了三大系统：宫廷绘画、民间绘画和文人画，一般是继承了传统卷轴画形制和传统文人画精神的现代中国画。中国画的发展史是一部从实用性到审美性转变的过程，转化中逐渐衍生出其独有的艺术价值，从而体现了浓厚的文化价值，也因此才能具备较高的市场价值。这些是李晓柱绘画事业的发展带给我们的最新思考。

　　今天，中国画的收藏已经越来越集中于像对李晓柱这样的年轻实力派艺术力量的关注，这是当前中国画市场的一个新情况。但在目前，也发现一些让人忧虑的做法，有很多非常年轻的，甚至还在校园里面的学子，已经早早地进入市场垄断或炒作，其艺术生涯一开始便被少数人垄断，受众多资金的追击，这种拔苗助长行为，无疑是一种巨大的伤害。年轻画家的作品忽视了审美价值而偏离市场的正常价位，这将极其不利于其市场的长远发展，会极大地扰乱市场的秩序。我们希望看到更多画家能够独立创作、发展。要解决这样的难题，就要始终贯穿审美创造力这根红线，并寄希望于市场经营机制的创新与完善，这主要取决于一级市场机制的完善，逐渐与国际艺术市场建立起互动关系。只有这样，年轻的画家们才有可靠的市场依据，其价位才拥有理性的增长。李晓柱的成功给了我们重要的启示。

　　三、21世纪中国画探索的一种新行走

　　李晓柱在当代中国画艺术上的探索之路，反映出的恰恰是中国画发展中的一种重要的新的行走。

　　20世纪以后，西方美术及佛教艺术与中国传统美术的大融合，使中世纪大一统的中国美术格局出现了巨大变动。油画、雕塑、水彩画、版画等与在根本审美特征上大相径庭的中国传统美术门类一起，形成了包括传统中国画、改革中国画、西洋画在内的美术种类多样化的局面。近现代中国画基本上保持着传统中国画的审美原则和制作样式，并在此基础上丰富了传统中国画的形式风格和工具材料，体现了现代人的艺术观念和审美情趣。

　　但是，在中国画发展的这种繁荣的背后，中国绘画仍然面临着巨大的市场挑战。如今，在信息高度不对称的情况下，中国画市场陷入极度混乱的局面。画商、画贩子及炒作家成群结队地牟取暴利，追名逐利，心态浮躁，道德沦丧，书画伪作在拍卖市场上频频惊现，收藏者的投机活动风靡盛行、价格泡沫激增猛涨、知假贩假的行为层出不穷、虚假宣传中介机构遍地开花，收藏家与作品的艺术之间没有在艺术层面上进行对话交流的平台或可能，更有甚者，很多画家为了吸引眼球而故弄玄虚创作出一些所谓前卫的、或是令人作呕的写真作品，买家也只关注回报率。这种种行为腐蚀着中国画市场，欺骗了无数善良的受众和消费者。

　　与此同时，中国画的创新思维与绘画观念也同样面临挑战。近几年来，美术界虽然取得一些有目共睹的成就，但由于拘泥传统的框架，仍然存在不少问题。不少人只在笔墨技巧上做工夫，仍然缺乏当代的人文精神，陷入一种艺术精神危机。有人干脆提出“笔墨等于零”的说法，这些都是“民族虚无主义”的观点，是缺乏民族自信心的表现，使得中国画界乃至整个世界中，人文精神的失落与遗弃极为严重。更有甚者，绘画有远离民族文化的倾向。李晓柱认为，这只能使中国画失去艺术灵魂与价值。

　　在种种挑战下，中国画在21世纪的发展，就需要有一种新的探索。李晓柱的艺术探索之路，反映出的恰恰是中国画探索的一种新的行走，使中国画以一种新姿态在21世纪有一个新的行走姿态。有了李晓柱们这种具有实质意义的探索，我们有理由相信，行走在21世纪的中国画会越来越自信、越灿烂。

　　四、对文化传统的一种新守望

　　李晓柱用自己在绘画实践中的体悟使我们有了一个强烈的感觉，中国绘画的发展也已经到了要重新审视中国传统文化的时候了。但是，文化传统也像其他事物一样，既有其不断生发的活力，也有传统本身惯性所带来的包袱。当下，我们面临的最大问题是，应该守望什么样的文化传统？文化最重要的不是其表面化的形式与样式，也不是当今不少青年画者穿起的仿古衣衫，更不是临摹者炫耀的技巧，而是文化传统中的精神境界。

　　有论者认为，中国世俗文化中存在不少恶的东西，特别是起源于猜忌和背叛心理的“疑人用，用人疑”的不信任专制机制，自汉代独尊儒术开始，又与强烈要求忠诚、服从和胸怀大志的儒家思想、伦理观念相互交织，挤压和扭曲人心与人格，逐渐造就了一种由虚伪、欺诈、猜忌和背叛交织在一起的黑暗的官场文化。隋唐以后，这种黑暗的官场文化又透过官本位的科举制度，以多米诺骨牌效应的形式向整个文化领域渗透，全面毒害中国文化，使官本位的中国人彼此之间形成了一种深刻而广泛的相互不信任共识，积淀为一种深厚的自私自利的不信任文化，最终把中华民族变成了软弱无力的一盘散沙。这就是，背叛的逻辑产生了背叛的制度，背叛的制度导致了背叛的结局。

　　中国世俗文化中恶的一面给予我们的教训是深刻的。同时，这种缺乏人本与人性的内核，也是当代中国画画家所面对的文化战略与机遇，为中国画追求真、善、美开拓了巨大的生存空间。这种世俗文化与西方文明发生了剧烈的碰撞并进行着较量，处于弱势国运的中国人不得不面对向西方学习的现实。对于中国绘画来说，向西方的学习可以说经历了四个层面的过程：一是对物质材料的学习，包括工具、材料和物质条件等方面；二是对绘画技巧及相应技术的学习；三是对体制及组织文化的认识与学习，包括管理、组织、教学、创作及社会与市场运作等方面；四是对绘画精神与文化精神的进一步认识与学习，在更深层面上认识人性、人本化的课题，为使中国画从一个全新的视野去超脱世俗化的传统文化、开拓文化的新境界打下了认识上的基础。

　　李晓柱所追求的中国画的境界可以说实现了对中国传统世俗文化的一种超越，也可以说是一种回避、一种文化意义上的逃跑，这与中国传统文化至高境界中热爱思辨的精神是一脉相通的。在中国传统文化的大背景下，中国人不像其他民族那样重视宗教，中国传统文化精神的基础不是宗教而是伦理，但在传统文化精神中，还有一种建立在伦理道德之上超伦理道德的价值，也就是人们心灵深处的一种超越现实世界的渴望。在中国传统文化意识里，这种渴望被转化为一种画家对哲学的热爱。李晓柱在哲学里而不是在宗教里找到了超越现实世界的那种自在与存在。同样，也是在哲学世界里，他体验到了超越伦理道德的价值。

　　李晓柱绘画艺术上的不断实践使我们认识到，中国传统文化中的哲学精神深刻地影响着中国画的传承与发展，使中国绘画这门视觉艺术几千年以来魅力不减，闪耀着哲学思辨的光芒。这种带有哲学精神的传统文化是中国绘画生存、发展、壮大的肥沃土壤，也成为中国艺术精神境界的旨归，值得人们去守望！

　　五、理论研究的一种新视角

　　李晓柱在艺术上的特立独行，从绘画界到理论界已经引起普遍关注，稍加研究我们发现，这种关注，都是来自一种新的视角、新的观念，新的见解，让人们在沉闷的当下画坛中感受到了一阵清风。

　　曾作为李晓柱导师的刘大为这样指出：晓柱以一位当代艺术家独有的思考，去探求艺术本质的意义和它的功能，而不是过多地关心现实发生的表面现象。他以自己的方式追问、选择一个清晰的角度，去表现我们忽视、忘记的那个被现代文明破坏了的过去的文明。他在揭示人的灵魂、精神环境被践踏毁灭时，努力去寻找一种复活它的理由。他不是采用极端的批判方式，而是选择一种温和平静、积极健康的话语，叙述他的艺术理想和人生追求，冷静地走出一条融合、创新之路，从传统笔墨、古人情怀里解放出来，注入当代精神，创造一种新的艺术语境。也许是年龄的增长，也许是有这种慧根，晓柱渐渐转向对传统的深入研习。画风一改昔日的彩墨而呈现出传统中国画的文人气息，更为注重从笔墨韵情中去追求品格与灵性，创作了一批风格典雅、文心万象的佳作。这些作品多以古典的仕女和高士为主，造型简朴而神情完备，虽然借鉴了唐宋绢帛工笔和明清人物画的造型，却能巧妙地幻化为自家笔性，创造出风格独特的人物形象，让那些清新自然、恬淡雍容的古典女性和文雅清儒“活”在庭园花木、池榭茶书之中，畅游于清野云漫的山水之间。作品中弥漫着一种清逸、循环灵动的气脉，上下呼应、转承启合，重则力透纸背、虚则如锥划沙，用笔时而排列有序，时而看似无章，然饱满的情绪始终凝注于运行的笔端，呈现出一种心灵深处生命运行的轨迹，使人从画面的本身延伸到一种品格及文化范畴去思考，品味到作者内心涌动着的自然而智慧的精神指向。从晓柱的艺术历程可以观察到，今天的笔墨创新、继承与拓展的多元化态势，让我们从传统中感悟到更多的笔墨人文关怀。关注当代，关注内心，倡导大气、包容的人格，顽强、乐观的生命意识，复苏高尚的道德与信仰，使笔墨的发展越来越具有人性化的特征。开放的思维、东西文化的互融，在不失民族精神品格的同时，使笔墨形式更加丰实、更具有当代精神。晓柱说自己是顿悟的那一类，有理由相信，在感悟与修炼的过程中，他会走出一片新天地。

　　中国国家画院著名评论家张士增认为：晓柱是一个善于思考、有自己独特思想的、在思考中不断进取和发展的优秀画家。2004年，晓柱考取了中国画研究院刘大为工作室研究生。在大为的影响下，晓柱的世界观发生了变化，对事物的认识也上升到一个新的高度。他深深地感到，作为艺术家，不但要贴近文脉、走向传统，更要直面生活、揭示生活的本质，承担起艺术家的历史使命。在这一主导思想下，晓柱的创作转向了现实主义题材。2005年之后，他先后创作了《2005·留守营》、《绿色·生态园》等系列贴近生活的作品。他说，他画这类作品是在探索一种生活和内心艺术追求的和谐，个性化的语言将随着这种探索更加突出，并且还要在此基础上追求高格调的笔墨品质。在以后的艺术生涯中，他将本着“学法、修身”的心态，对绘画的本质和人物的造型进行更多的研究，对人性以更深的挖掘，以中国画的语言方式、准确的人物特征来进行积极有益的探索。综观晓柱的整个艺术历程，不断反思、不断进取、追求个性和时代性是他整个心路历程的主旋律。画如其人，作为一个严肃对待创作、从不违背内心、有着过人潜质的率真的青年画家，他在探索并不断发展自己的绘画的过程中，不断加强自己的笔墨和造型功夫，努力追求自己创作的个性和特点，而且从不自满，总是以一种谦逊的态度，发现和学习别人的优点，不断丰富和充实自己，似乎随时准备着以自己的过人的实力，在中国画这片宽广的疆土上纵横驰骋，打拼出一片属于自己的天地。晓柱常说，虽然远离了那片生他养他、曾让他魂牵梦绕的土地，这些年到过不同的城市，但至今还是那些最熟悉的高粱地和果园最让他心动。那一段让他热爱和难忘的农村生活，使他骨子里还是喜欢那些朴素的东西。他也在思考中逐渐悟出要画他最喜欢和熟悉的农村，希望能从一个特有的角度来反映农村的生活。多年的思考终于让晓柱找到了适合自己的路。相信以晓柱扎实的笔墨功底和过人的造型能力，在他自己选择的这条路上坚定地走下去，他一定能成就自己的绘画高峰，为丰富具有时代特征的传统绘画做出新的贡献，在当今美术史上，写下自己光彩的一笔。

　　青年评论家曹玉林认为：2002年初，李晓柱从秦皇岛画院调入天津画院，不久考取了中国艺术研究院博士生课程班和中国画研究院刘大为工作室，赴北京深造，开始跻身于中国画的最高艺术殿堂。北京是全国文化艺术的中心，代表着当今中国主流艺术的发展方向；刘大为是美协的主要领导，更是今天画坛人物画创作的领军人物。这种双重的文化背景和学术氛围，使得李晓柱的艺术观念发生了很大变化，对过去的创作进行了深刻反思。李晓柱此前的创作虽然努力，探索虽然执著，但在艺术观念上却还不够清晰，还未能够充分地理解中国传统文化的价值和意义。这其中，不但那些主要来源于对乡村生活体验、朴素而质实的作品挖掘得不深，尚停留在生活的表面，未能做更多的思考；那些年代不定，清纯、温馨而又惆怅的“花苑仕女”系列，有着某种唯美主义倾向；而且那些追求现实与理想、明亮的光感与流动的气韵、强烈的张力与野性的节奏和抽象的造型相结合的实验水墨作品，更是在某种程度上存在着偏离当代人物创作的价值标准和精神维度，而带有一定的异质文化特征的缺陷。反思是痛苦的，但它带来的结果却是升华和成熟。正是这种必要的反思，使得李晓柱的精神境界和艺术观念有了一次质的飞跃。他开始深深地认识到，作为一位新时代的有抱负的艺术家，必须在深入传统和直面当代两方面都做出自己的努力，即一方面扎根于民族文化的土壤，贴近传统的文脉，对传统做出不无当代意义的阐释；另一方面又要禀承社会的责任，感应时代的脉搏，对当代做出不无传统底蕴的思考。正是基于以上认识，李晓柱近年来的创作开始出现了一些新的气象，有了一些新的面貌和新的特点，迈上了一个新的台阶。

　　文化研究专家子峰也看到：不到40岁就已取得丰硕创作成果的李晓柱并没有停下他探索艺术的脚步。在跨入新世纪这些年，他深感传统中国画的博大精深，决心要到传统的大山中去“采矿”，他先后到中国艺术研究院和中国画研究院去深造。他表示：“我们需要向古人学习，向他们求法，在传统的基础上丰富当代中国画的时代特征。我们之所以走进传统，是为了完成中国画今天新的传统。”他一改昔日的彩墨创作，而醉心于具有典型文人画气息的才子佳人系列画。这些看上去类似连环画场景的高士、侍女图，笔墨清雅、情趣悠然，已全然有别于他前期创作的格局气象。显然，他力求使自己的创作由初始的生活化场景向有文化深度的图式转型。值得注意的是，他的笔墨与画面的表现十分贴切而谐调，没有生硬刻板，柔韧的线条轻松、顺畅地表现着古典文士的雍容和慵懒。背景、园林、山石的笔墨处理，与人物相谐相融，臻于完美。李晓柱在这些图式中巧妙地将传统山水、花鸟画与人物画融为一体，并自如地培育一种属于自己的话语体系。可见李晓柱不仅有明灵之心，并有聪慧之智。

　　六、山水与人物的一种新融合

　　大凡画人物画的人都有两类作品：一是大幅的主题性较强的创作，一种是闲情逸致的小品画。都说小品可以明心见性，亦可作笔墨练习而恣意挥洒，作大画太累，因此闲暇之余多以古人为题，漫不经心作些小品放松一下，又可悦目赏心。所以，大部分的人物画家都是走这条路子，亦练就了两种本事来应对学术与市场。
    一段时间，李晓柱的小品画画了不少，从中体会便深了起来。他把自己的心绪借古人之题讲说一番，倒也很合心性，渐渐地靠近了古人的思绪情怀。也许是开始觉得好玩，权当练笔，便于有心无心之间画了许多“园中雅集，圃中花发”之类的小画。三、五雅客聚于花前檐下，“自喜轩窗无俗韵，亦知草木有真香”，从中体会小园的书香草木之静雅清气；“松柏有本性，园林无俗情”、“人淡如菊、品逸于梅”对园中人物给予极高的人格品评；从“水清鱼读月，山静鸟谈天”中体验到一个干净而明心的世界，这种境界是自然的，更是内心的。“无暇人品清如玉，不俗文章淡似仙”给文章和人品赋予一种画外之诗化的品质。纵然如此，圈禁于园中的雅士淑女亦只能“花花自相对，叶叶自相当”，在有限的天地里很难体会宇宙之无限，园中的闲情雅趣，很难进入一种更广大的境界，亦不能赋予更多的精神。于是，便有了更深层的思考，把当代人的情怀、古人的情怀一并融入我们古人创造的山水情境之中，体会那广博、宏大的山水情怀，把人物画一贯的人与人之间的关系拉向人与自然的关系、人与天地的关系中。李晓柱常常把书中偶得，自然中体会来的非古非新的山水林木赋予人物以更大的情怀。从李白的“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”中体会山水豪情，从“境内游心，物外移情”渐渐地体会到古人面对山水并非只作闲情之游，也并非完全与山水之间寻找诗意，更不是仕途的失意而无奈地走向山水之间。 “众鸟高飞尽，孤云独去闲”在悠然的境界中表现了心底之清闲，看到一个净化澄明的心灵和无尘的世界。诗人的心随着高飞的鸟飞向远方，伴着一缕清风像一朵白云自由地飘去，一种超然物外的神思让我们体会到天辽地阔和生命的自在与精神的自由。“谁能超世累，共坐白云中”是超越纷繁世界只有在山水之间才能获得的境界，使人心旷而神清。“山中人若正，路险心亦平”更以山和路的险峻来喻示人格的刚正。“何须着屐寻山去，万壑千岩在此中”用一种旷达的情怀包容万壑千山，此乃寻得山水真意和神秘高远的天地深境，在通灵而华滋的山水之间体会人格的高贵。

　　当山水不再是山水情境的时候，便有了精神上更高的升华。把人物从人群中拉出来，进入优雅的小园，又把人物推进山情水境，于山水之间寻得生命的真谛。

　　七、市场价值的一种新认知

　　事业的成功往往来自生活感悟与启迪。出生在白洋淀的李晓柱，12岁开始学画，以速写入手，并很快进入创作道路，从而培养了较扎实的造型能力和创作能力。他15岁参加省级画展，曾获沧州展一等奖（工笔兼平涂）；18岁入河北大学工艺美院，一直坚持创作并学习了油画、水粉等。经过学院系统学习，李晓柱在造型、色彩、构图等多方面打下了坚实的基础；21岁后，他被分配至沧州展览馆，其间创作的《白洋淀》第一次参加了在武汉举办的沧州籍画家展览。从这以后，他渐渐形成了鲜明的风情绘画风格，他的一批以白洋淀风情为主题的作品也陆续问世。1989年，25岁的他创作的《白洋淀的船》参加第七届全国美展，获首届全国风俗画大展一等奖，其间兼习对水墨材料的实验。1994年，他创作彩墨作品，独树一帜，其中以《欢乐的果园》为代表，形成这一时期的创作高峰，并参加了第八届全国美展优秀作品展，引起了美术界的关注和反响。刘大为、杨力舟等老师给予了极高的评价。1997年，《神州大花园》、《欢乐家园》都在全国获得了较好的成绩，同年被邀请参加九七中美院水墨邀请展。1999年，《边陲白杨》获第九届全国美展铜奖。2000年，他参加了中华世纪之光中国画提名展。至2004年，共有9幅作品参加了第七、八、九、十届全国美展。其中，铜奖、优秀作品各一幅。

　　通过对李晓柱绘画发展过程的回忆，我们可以很清楚地看到李晓柱艺术成长的历程和发展，以及其深化的后劲。2001年以来，作为水墨探索的创新者，他先后创作了《守望·天堂》、《欢乐园》系列作品，对人类的生存空间、情感的无所寄托做了深层的思考。他以纯水墨为基本语言的这批作品个性强烈、语言尖锐，在画界的影响极为深远。

　　2003年，李晓柱先后参加了中国艺术研究院博士生课程班和中国画研究院刘大为工作室的学习。这期间，他的思想观念发生了变化，由原来对社会、对人生提出问题的现代绘画转向对传统中国文化的研读，并逐渐以纯笔墨的语言来对中国文化的佛、道、儒进行平静的融会。可以说，这种看似不经意的转变，使李晓柱从一个风情、风格画家，成为找到自己巨大发展空间的新传统主义者，这为他的艺术成长注入了无限生机和活力。从画家的艺术发展轨迹可以看出，他多思、敏锐，作品具有强烈的个性气质。随着对中国文化的逐步认识与参悟，李晓柱会不断地成熟起来，其艺术语言将更加纯粹、更加明快，同时对中国文化的走向会做出更加深入的探究。

　　李晓柱艺术探索道路的转折延伸，引起了众多收藏家的关注与研究。他们从不同侧面、不同方向对李晓柱的绘画艺术及其市场前景进行了系统的研究。通过理性的分析与研究，他们不约而同地找到了一个共同点：对传统的深入研究与参悟，使李晓柱的新传统主义绘画倾向日益明显。这种学术倾向的出现，使得李晓柱很可能成为新传统主义年轻的代表人物。如果他在绘画理论与学术交流方面再进一步扩大影响，很有可能成为青年新传统主义的旗手级人物。在中国画坛上，李晓柱这种通过艺术实力来开拓市场的艺术家，无疑会得到艺术市场的尊重。

　　从李晓柱艺术探索的几个阶段来看，李晓柱正一步一步地走向他艺术上的成熟期。与此相对应，李晓柱的艺术市场也由前几年的试水走向全面上升，多家实力雄厚的艺术机构或收藏家已经开始有计划地批量订购和系统地收藏李晓柱的作品。由此带来的结果便是，李晓柱的艺术市场已经全面启动，价格在短时间内已经有了很大的提升。再加上李晓柱是一个非常内敛的人，他在艺术上是非常理性、自觉的，通过收藏界的研究、分析发现，李晓柱在市场上也是如此，以严谨著称，这更为他艺术市场的提升拓展了更大的空间。

　　20世纪90年代后期，李晓柱的作品进入市场，只是在个别地区、由个别收藏家进行不稳定的市场试验，出画数量有限，价格也不稳定。一直到1997年、1998年，其作品才正式开始进入市场。通过收藏界同仁的努力，借助中国画廊联盟的力量，中国画廊联盟市场研究中心对李晓柱艺术市场的价格从历史、现状及未来三个层面进行了系统的调查与整理，形成一组数据谨供大家参考：

　　　　　2000年：作品的市场价格300元/平尺；
　　        2001年：作品的市场价格500元/平尺；
　　        2002年：作品的市场价格650元/平尺；
　　        2003年：作品的市场价格750元/平尺；
　　        2004年：作品的市场价格上半年1500元/平尺，下半年2000元/平尺；
　　        2005年：作品的市场价格上半年3000元/平尺，
　　        下半年前段4500元/平尺，后段6000元/平尺；
　　        2006年：作品的市场价格8000～10000元（创作）/平尺。

　　随着不同题材的切入，不同形式和尺寸作品的不断丰富，李晓柱作品市场价格的升迁可能还会有更大的空间和更为强烈的表现。当然，这取决于多个方面的因素。但有一点是肯定的，李晓柱的学术定位与学术水平、学术能力是我们做出判断的依据。

　　李晓柱艺术简历

　　李晓柱，1964年生于河北任丘。现为中国美术家协会会员、天津市美协理事、天津画院专业画家。曾研读于中国艺术研究院、中国画研究院。1989年，中国画《白洋淀》《驱邪招福图》入选第七届全国美展。1994年,中国画《欢乐的果园》、《我们的果园》入选第八届全国美展，其中《欢乐的果园》入选第八届美展优秀作品展。1997年,中国画《欢乐家园》获建军70周年全国美展最高奖；中国画《神州大花园》获全国首届人物画展优秀奖；参加“九七中美院水墨邀请展”。1998年,中国画《游园图》获大韩民国第11回国际美术大展金奖。1999年,中国画《边陲白杨》获第九届全国美展铜奖;中国画《新砖房》参加第九届全国美展；插图《墙头马上》参加第九届全国美展；《中国当代美术》1979—1999卷收入作品《神州大花园》。2000年,参加“中华世纪之光”中国画提名展。2003年、2005年，中国画作品先后参加第二、三届全国画院双年展。2004年8月，中国画《欢乐园》获全国第二届人物画展优秀奖；中国画《吉祥大地》《百花百草图》参加第十届全国美展。2005年,参加中国画研究院学术提名展，获得首批国家颁发的“人民艺术家”称号。